n recorrido por el Museo del Prado, una de las pinacotecas más importantes el mundo, revela cuadros de todas las épocas que cantan al amor poético y lujurioso de los dioses, a la felicidad conyugal y al desgarro y sufrimiento que provocan los amores frustrados.

Con motivo del día de San Valentin, el jefe de Contenidos Didácticos del Prado, Fernando Pérez Suescun, acompaña en un paseo por el museo y las fases del amor reflejadas en grandes obras de todos los tiempos.

Las tretas del amor 

A lo largo de la historia, muchos amantes recurrieron a tretas y engaños para conquistar a la persona amada, asegura Pérez Suescun, parándose ante el ‘Hipómenes y Atalanta’, de Guido Reni, fechado 1618-1619.

La bella Atalanta se negaba a casarse y, para eludir a sus numerosos pretendientes, decidió que se desposaría con quien le ganara en una carrera.

Viendo que la joven vencía a todos sus contrincantes, Hipómenes pidió ayuda a la diosa Venus, quien le dio tres manzanas de oro, para que el joven las fuera tirando al suelo a lo largo de la carrera y así distraer a Atalanta y poder vencerla.

Felizmente casados, los jóvenes acuden un día al templo de la diosa Cibeles y «en pleno frenesí amoroso, tienen relaciones en el templo, lo que indigna a la diosa», cuenta Pérez Suescun.

En castigo, Cibeles los convierte en leones y los condena a tirar de su carro, como se puede ver en la emblemática plaza de Madrid del mismo nombre.

El amor conyugal 

También el amor conyugal tiene un sitio en el Prado. Así, el veneciaño Lorenzo Lotto pintó en 1523 a ‘Micer Marsilio Cassotti y su esposa Faustina’, una pareja de recién casados que observan al espectador con mirada cautelosa y ligeras sonrisas.

Sobre ellos, un cupido de sonrisa maliciosa, les coloca un yugo sobre los hombros, símbolo de las obligaciones que contraen al casarse. Decorado con hojas de laurel, que representan la felicidad y el triunfo, según Pérez Suescun; pero yugo al fin y al cabo.

La felicidadíamorosa

El Prado cuenta con infinidad de cuadros sobre la felicidad del amor, muchos de ellos de Pedro Pablo Rubens (1577-1640), como ‘Las tres Gracias’, jóvenes del séquito de Afrodita que se asociaban al amor, la belleza, la sexualidad y la fertilidad.

‘El jardín del amor’, otra obra de Rubens, muestra a una pareja acaramelada junto a un jolgorio de jóvenes sobrevolados por amorcillos que les animan a la exaltación del amor.

Los aángelitos portan símbolos matrimoniales y la fuente con Venus y las tres Gracias aluden al «amor fecundo», lo que disipa todas las dudas: el amor es felicidad y disfrute.

El amor desdichado

Pero el museo también tiene cuadros de amores trágicos como el de Doña Juaña la Loca o la trágica historia de Francisco de Borja, duque de Gandía. Obras que advierten sobre el sufrimiento y el desgarro que puede causar el amor prohibido o no correspondido.

En medio de un camino embarrado, con todo su séquito con expresión de aburrimiento y preocupación, doña Juaña de Castilla, hija de los Reyes Católicos, mira medio desquiciada de amor el féretro de su esposo, Felipe el Hermoso, en un cuadro de Francisco Padilla (1848-1921).

En la pared de enfrente, José Moreno Carbonero retrata en 1884 al duque de Gandía llorando desconsolado en brazos de un compañero de armas junto al féretro abierto de la emperatriz Isabel de Portugal, esposa de Carlos V.

Su mujer, que lo observa desde una esquina, comprende que el amor de su marido no le corresponde.

Al ver el cuerpo putrefacto de su verdadero amor, el duque exclama «nunca más servir a señor que se me pueda morir». Una promesa que cumplió fielmente ya que, a la muerte de su esposa, tomó los hábitos e ingresó en los Jesuitas, llegó a ser general de la orden y posteriormente canonizado como San Francisco de Borja.

El Gobierno de México presentó este viernes una nueva Ley Federal de Cine y Audiovisual que sustituirá el marco vigente desde 1992 y reformas para proteger a intérpretes de doblaje ante el uso de la inteligencia artificial (IA) con el objetivo de impulsar la producción nacional.

«(Son iniciativas que) se han esperado, sobre todo la de cine, por muchos años y también la de intérpretes de doblaje», afirmó Claudia Curiel, secretaria de Cultura de México, durante la conferencia de prensa presidencial al indicar que las propuestas responden a demandas históricas del sector.

Curial argumentó que la legislación vigente quedó desfasada frente a los cambios tecnológicos y productivos, pues la ley federal de cinematografía actual es de finales del siglo pasado.

«Lo más importante de esta ley es que la del 1992 surge en un contexto neoliberal, donde tenía una visión de mercancía principalmente, la obra, y lo que se hizo en esta ley de 2026 es trabajarla con fundamento en los derechos culturales», apuntó.

Entre las medidas centrales destacó asegurar la presencia del cine nacional en salas.

«La exhibición de cine nacional en salas del 10 % está garantizada», dijo Curiel, a la vez que indicó revisiones de cartelera y la ampliación de exhibición mínima para mejorar su visibilidad.

También se establece preservar el patrimonio audiovisual con «un mandato de conservar, restaurar, digitalizar, difundir el acervo patrimonial que integra nuestra memoria», y se incorpora en la ley el apoyo estatal al sector.

Por su parte, la presidenta, Claudia Sheinbaum, defendió el potencial del país en la industria audiovisual y vinculó la reforma con metas de posicionamiento internacional.

«Con todos los apoyos y todas estasínuevas adecuaciones que se han estado haciendo a la ley y propuestas se tendrá la capacidad de que México logre entrar en este nuevo año al top cinco en cuanto a todas estas producciones a nivel mundial», declaró.

Sheinbaum destacó el capital creativo nacional y la ampliación del apoyo público a proyectos independientes.

En México, en su opinión, «hay una creatividad excepcional»: «Hay cineastas extraordinarios, (…) las escuelas de cine de México son de las mejores del mundo», afirmó, señalando que el incremento de recursos busca priorizar producciones con menos financiamiento.

La ley pretende también asegurar la difusión de contenidos para «que se garantice la transmisión tanto en el cine o la presentación tanto en los cines como en las plataformas».

La segunda iniciativa responde a preocupaciones del gremio del doblaje frente a la IA. Curiel indicó que «por primera vez» se va a reconocer la voz humaña como una herramienta artística, «única e irrepetible».

En tanto, Sheinbaumásubrayó la relevancia del sector, pues aseguró que «México tiene de los mejores dobladores del mundo» y ahora «van a ser protegidos».

Finalmente, la mandataria anunció que el domingo anunciará incentivos económicos para la producción de series y cine en el país y para ello contará con la participación especial de la actriz y productora veracruzaña Salma Hayek, quien personalmente le pidió apoyo e impulso a esta iniciativa.

El amarillo no fue solo el color favorito de Vincent van Gogh, sino un lenguaje visual que, en torno a 1900, expresó modernidad, escándalo, espiritualidad y energía, y con esa idea, su museo en Ámsterdam abrió una exposición que parte de los icónicos Girasoles (1889) para explorar cómo este tono marcó a toda una generación de artistas.

Sobre el ataúd de Vincent van Gogh, en julio de 1890, había un sencillo paño blanco cubierto de flores amarillas: dalias, girasoles, amarillo por todas partes, y su amigo Émile Bernard escribió entonces: “Era su color favorito (…) el símbolo de la luz que buscaba en los corazones y en las obras de arte”.

Con esa imagen arranca la presentación de la nueva exposición del Museo Van Gogh, titulada “Amarillo. Más allá del color de Van Gogh”, que abrió sus puertas este viernes con unas 50 obras y objetos fechados entre 1850 y 1915.

El propio Van Gogh, un neerlandés acostumbrado a los cielos grises del norte de Europa, plasmó su fascinación por la intensa luz que se encontró en Arlés, en el sur de Francia, en una carta a su hermano: “Luz del sol, una luz que, a falta de una palabra mejor, solo puedo llamar amarilla – amarillo azufre pálido, limón pálido, oro. ¡Qué bonito es el amarillo!”

La muestra toma como punto de partida los icónicos Girasoles (1889), pero amplía el foco para analizar cómo el amarillo se convirtió, en torno a 1900, en un lenguaje cargado de significados: modernidad, rebeldía, escándalo, espiritualidad y energía.

“¿Qué es exactamente el amarillo? ¿Qué ocurre cuando lo utilizas? ¿Qué quieres expresar como artista?”, planteó la conservadora Ann Blokland. Su colega, Edwin Becker, agregó: “El color en sí mismo no tiene significado; es un fenómeno de luz. Somos nosotros quienes le damos sentido, y ese sentido cambia según la persona, la cultura o la época”.

El recorrido se centra en el período 1850-1900 para responder a una pregunta concreta: “¿Qué ocurrió en ese momento con el color amarillo? Esa es la cuestión central”, dijo Emilie Gordenker, directora de la pinacoteca conocida por albergar la mayor colección de Van Gogh del mundo.

En los Girasoles, el amarillo se despliega en capas físicas y simbólicas: “En esa pintura hay muchas capas, literalmente en la pintura, pero también en los tonos, que van del amarillo limón al naranja profundo”, explicó Becker.

Para este conservador, la obra encierra modernidad y valentía: Van Gogh logró “dominar ese color tan fuerte con aparente sencillez”, hasta convertirlo en una imagen hoy icónica.

El amarillo es “un color que eleva, que anima”, añadió, aunque matizó que en los girasoles también hay melancolía: flores inclinadas, cabezas que pesan, al final vitalidad y decadencia conviven bajo la misma luz.

La exposición, que reúne obras de más de quince artistas además de Van Gogh, incluye nombres como Kandinsky, Ramón Casas, Klint, Manet y Turner, maestros que usaron el amarillo como símbolo cambiante.

A finales del siglo XIX, el color se convirtió en emblema de modernidad y escándalo; lasínovelas con cubiertas amarillas, que abordaban temas como el alcoholismo o la prostitución, eran vistas como provocadoras, y muchos artistas las representaron en sus cuadros como signo de una nueva sensibilidad.

En paralelo, el amarillo adquirió un significado espiritual: en la teosofía se asociaba al crecimiento interior, y para Kandinsky evocaba el sonido agudo de una trompeta.

“El color era un medio ideal para expresar ideas abstractas o incluso sonidos”, recordó Blokland, aludiendo al interés en la época por la sinestesia, fenómeno en el que los sentidos se mezclan.

Por eso, la muestra propone además una experiencia sensorial, con una instalación lumínica creada específicamente para el museo por el artista danés Olafur Eliasson, en la que el visitante deja de ser mero observador para convertirse en parte de la obra, en un juego con la percepción y la luz. “Veo rojo, veo azul, pero siento amarillo”, afirma el creador.

El recorrido se completa con composiciones creadas por estudiantes del Conservatorio de Ámsterdam, inspiradas en obras expuestas, y con fragancias desarrolladas por la firma Robertet, que permiten literalmente “oler” las diferentes fragancias del amarillo.

“Si lo hacemos bien, seguiremos sorprendiendo durante mucho tiempo”, afirmó Bordenker.

Más de un siglo después de aquel funeral rodeado de flores amarillas, el museo propone mirar ese color más allá de los Girasoles y entenderlo como un territorio de significados que sigue emitiendo luz, sentimientos, rebeldía y modernidad. La exposición estará abierta hasta el 17 de mayo.